LA VENTANA INDISCRETA
Director: Alfred HitchcockIntérpretes: Grace Kelly, James Stewart, Judith Evelyn.País: USA Año: 1954.Duración: 112 min.Guión: John Michael Hayes
Música: Franz Waxman
SINOPSIS:Por un accidente de trabajo, Jeff (James Stewart), fotógrafo profesional, se ve obligado a permanecer con la pierna escayolada en una silla de ruedas dentro de su minúsculo apartamento de Greenwich Village, bajo el cuidado de Stella (Thelma Ritter), enfermera veterana de apariencia fría e inflexible pero de espíritu maternal y experimentado. Su noviaLisa (Grace Kelly), aprovecha la obligada inmovilidad de Jeff y le presiona para casarse con él. Jeff no termina de ver futuro a su relación, pues piensa que son personas excesivamente diferentes. Además, una ola de calor ha invadido Nueva York. Inmovilizado, presionado por su novia, bajo los cuidados inflexibles de su enfermera y víctima del insoportable calor, Jeff sólo encuentra una salida a su forzoso “cautiverio”: el zoom de su cámara de fotos y la ventana trasera de su apartamento, que da a un patio y desde la que pueden verse todas las ventanas de los edificios que la rodean. Por medio de este curioso pasatiempo Jeff comienza a sospechar que frente a su ventana se ha perpetrado un crimen horroroso.
SINOPSIS:Por un accidente de trabajo, Jeff (James Stewart), fotógrafo profesional, se ve obligado a permanecer con la pierna escayolada en una silla de ruedas dentro de su minúsculo apartamento de Greenwich Village, bajo el cuidado de Stella (Thelma Ritter), enfermera veterana de apariencia fría e inflexible pero de espíritu maternal y experimentado. Su noviaLisa (Grace Kelly), aprovecha la obligada inmovilidad de Jeff y le presiona para casarse con él. Jeff no termina de ver futuro a su relación, pues piensa que son personas excesivamente diferentes. Además, una ola de calor ha invadido Nueva York. Inmovilizado, presionado por su novia, bajo los cuidados inflexibles de su enfermera y víctima del insoportable calor, Jeff sólo encuentra una salida a su forzoso “cautiverio”: el zoom de su cámara de fotos y la ventana trasera de su apartamento, que da a un patio y desde la que pueden verse todas las ventanas de los edificios que la rodean. Por medio de este curioso pasatiempo Jeff comienza a sospechar que frente a su ventana se ha perpetrado un crimen horroroso.
CRITICA:
Adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich, que le sirve al maestro Hitchcock para ofrecer un ejemplar ejercicio de voyeurismo (casi en un autohomenaje, pues Sir Alfred se consideraba un incontinente mirón) que no es más que un refinado tributo al cine y al cinéfilo, partícipe desde la mirada irónica del director británico de las diferentes y cotidianas intrahistorias de un diverso muestrario de caracteres, como una escultural bailarina, un matrimonio que alivia su calor estival durmiendo en el balcón, un viajante y su doliente esposa, la infeliz señorita corazón solitario, un músico sin mucho éxito o una fogosa pareja de recién casados.
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EL INCREIBLE HOMBRE MENGUANTE
FICHA TECNICA:
Título original: the Incredible Shrinking Man
Año: 1957
Compañía: Universal
Director: Jack Arnold
Guión: Richard Matheson
Reparto:
Grant Williams (Scott Carey)
Randy Stuart (Louise)
April Kent (Clarice)
Paul Langton (Charlie Carey)
Raymond Bailey (Thomas Silver)
Año: 1957
Compañía: Universal
Director: Jack Arnold
Guión: Richard Matheson
Reparto:
Grant Williams (Scott Carey)
Randy Stuart (Louise)
April Kent (Clarice)
Paul Langton (Charlie Carey)
Raymond Bailey (Thomas Silver)
SINOPSIS:
Durante un viaje, Scott atraviesa una nube radioactiva. A partir de entonces, su cuerpo comienza a disminuir de tamaño progresivamente. Los elementos cotidianos de su entorno se convierten poco a poco en una amenaza. Los doctores no encuentran remedio a su mal, y Scott se ve obligado incluso a vivir en una casa de muñecas. Pero los peligros son cada vez mayores. Un gato o una simple araña son ahora monstruos inmensos que pueden devorarle si no tiene cuidado.
Tomando como base una novela de Richard Matheson titulada "The Shrinking Man" (fue su segunda novela), el propio Matheson fue quien procedió a adaptarla (había pedido como condición para la venta el encargarse de la adaptación), según las convenciones del cine de la época, suprimiendo partes subidas de tono y dando un orden cronológico al relato de Robert Scott Carey, el increíble fenómeno que se reduce. La historia también tuvo retoques del propio director, que imprimió algo de sus convicciones religiosas y filosóficas en el desenlace. La película nos muestra la vida tranquila y descansada de Scott Carey, un joven hombre de negocios (Grant Williams) y Louise, su esposa (Randy Stuart), que disfrutan de una tarde al sol a bordo del yate del hermano de Scott. En un momento en que la esposa baja a por cerveza para su marido, una nube radioactiva cruza el bote (a pesar que no se advierte ningún tipo de viento). Seis meses después Scott nota que su ropa le queda grande y una visita al médico le confirma que se ha achicado algunos centímetros y ha perdido 4 kilos. A partir de ese momento, Scott no detendrá su decrecimiento (salvo en un breve momento, en que un médico logra retardar el proceso), y a medida que más pequeño se hace, aumenta su grado de alienación con respecto al entorno antes normal y seguro del hogar.
Tal vez en su época haya sido recibida como uno más de los filmes de ciencia-ficción que por entonces eran bastante populares. A primera vista la película podría ser confundida con una más sobre aventuras de seres humanos miniaturizados, como la posterior ATTACK OF THE PUPPET PEOPLE (Ataque Diabólico-1958), de Bert I. Gordon. Pero en realidad la saga de Scott Carey es menos una aventura en el término físico de la palabra que una evolución metafísica. En la primera media hora de película, Carey se nos es presentado como un marido amante, para quien su esposa implica también algo de contención materna. En un primer momento los pantalones que le van grandes parecen significar una pérdida de peso, dolencia de Scott es un trastorno que perjudica su imagen. Louise, en su intención de engordarlo, le dice que le prepará tantos pasteles y dulces que volverá a ser un niño. Claro, el decrecimiento de Scott no se trata de una mera pérdida de peso, sino también de altura. Los médicos consiguen explicar el proceso que está sufriendo Scott: sus huesos, sus músculas, toda su estructura molecular está mutando. Un galeno (Raymond Bailey) sugiere que la nube radioactiva fue el polvorín y que un camión de fumigación prendió la mecha. Luego de la visita a la clínica, Scott y Louise conversan fuera, en el auto. Él comienza a dar indicios de su próximo sentido de autocompasión. Le sugiere a Louise que hay límites en los deberes de la esposa y, previendo que el decrecimiento continúe su marcha, llegará un momento en que tal vez ella no quiera seguir a su lado. Tal simple táctica de probar los sentimientos de su esposa no da resultado, y Louise le dice que lo seguirá amando, que los médicos encontrarán la solución y que mientras él tuviera la alianza matrimonial, que ambos seguirían unidos. Acto seguido Scott intenta poner en marcha su automóvil, y el anillo se cae al piso.
CRITICA:
Antes de la ciencia-ficción metafísica-poética de BLADE RUNNER (1982) de Ridley Scott; antes de la ciencia-ficción metafísica-filosófica de 2001: A SPACE ODISSEY (2001: Odisea del Espacio-1968) de Stanley Kubrick; antes de todo, estuvo THE INCREDIBLE SHRINKING MAN (El Increíble Hombre Menguante-1957) de Jack Arnold, una película que en medio de un momento difícil para tal objetivo, logró dejar sentado que la ciencia-ficción cinematográfica también podía dar cabida a temas profundos y ambiciosos.
Jack Arnold, el director de la película, había comenzado a fines de los '40, a dirigir documentales para el Departamento de Estado, las Fuerzas Armadas y la industria. Uno de estos filmes, WITH THESE HANDS (1949), le significó una nominación al premio de la Academia. En tal circunstancia Arnold ingresó a Universal Pictures bajo contrato, encargándosele un policial menor titulado GIRLS IN THE NIGHT (1953). Su segunda película le permitió ingresar al género fantástico. Se trató de IT CAME FROM OUTER SPACE (Llegaron de Otro Mundo-1953) y su fuente fue un cuento de Ray Bradbury. La película llamó la atención además de por su trama metafórica (un grupo de extraterrestres trata de adueñarse de un pueblo norteamericano), por proyectarse en el novedoso sistema de 3-D. Luego de otro policial, THE GLASS WEB (El Crimen de la Semana-1953), Universal acertó en otorgarle a Arnold preferentemente proyectos de ciencia-ficción. Con CREATURE FROM THE BLACK LAGOON (El Monstruo de la Laguna Negra-1954), que narraba el hallazgo de un monstruo mitad hombre mitad pez, logró asentarse como el más capacitado director fantástico del estudio, y a eso no solo contribuye los rubros técnicos y el ingenio en la utilización del presupuesto, sino también el clásico esquema narrativo de 'la bella y la bestia'. A partir de ese momento Arnold comenzó a saltear policiales o westerns con filmes de género. Uno de estos fue TARANTULA (Tarántula-1955), en la que a través del ataque de una araña gigante, trató el tópico del gigantismo, ya visto anteriormente en THEM! (La Humanidad en Peligro-1954) de Gordon Douglas. Con este precedente, invirtió la fórmula y pasó a la película que nos ocupa.
Tomando como base una novela de Richard Matheson titulada "The Shrinking Man" (fue su segunda novela), el propio Matheson fue quien procedió a adaptarla (había pedido como condición para la venta el encargarse de la adaptación), según las convenciones del cine de la época, suprimiendo partes subidas de tono y dando un orden cronológico al relato de Robert Scott Carey, el increíble fenómeno que se reduce. La historia también tuvo retoques del propio director, que imprimió algo de sus convicciones religiosas y filosóficas en el desenlace. La película nos muestra la vida tranquila y descansada de Scott Carey, un joven hombre de negocios (Grant Williams) y Louise, su esposa (Randy Stuart), que disfrutan de una tarde al sol a bordo del yate del hermano de Scott. En un momento en que la esposa baja a por cerveza para su marido, una nube radioactiva cruza el bote (a pesar que no se advierte ningún tipo de viento). Seis meses después Scott nota que su ropa le queda grande y una visita al médico le confirma que se ha achicado algunos centímetros y ha perdido 4 kilos. A partir de ese momento, Scott no detendrá su decrecimiento (salvo en un breve momento, en que un médico logra retardar el proceso), y a medida que más pequeño se hace, aumenta su grado de alienación con respecto al entorno antes normal y seguro del hogar.Tal vez en su época haya sido recibida como uno más de los filmes de ciencia-ficción que por entonces eran bastante populares. A primera vista la película podría ser confundida con una más sobre aventuras de seres humanos miniaturizados, como la posterior ATTACK OF THE PUPPET PEOPLE (Ataque Diabólico-1958), de Bert I. Gordon. Pero en realidad la saga de Scott Carey es menos una aventura en el término físico de la palabra que una evolución metafísica. En la primera media hora de película, Carey se nos es presentado como un marido amante, para quien su esposa implica también algo de contención materna. En un primer momento los pantalones que le van grandes parecen significar una pérdida de peso, dolencia de Scott es un trastorno que perjudica su imagen. Louise, en su intención de engordarlo, le dice que le prepará tantos pasteles y dulces que volverá a ser un niño. Claro, el decrecimiento de Scott no se trata de una mera pérdida de peso, sino también de altura. Los médicos consiguen explicar el proceso que está sufriendo Scott: sus huesos, sus músculas, toda su estructura molecular está mutando. Un galeno (Raymond Bailey) sugiere que la nube radioactiva fue el polvorín y que un camión de fumigación prendió la mecha. Luego de la visita a la clínica, Scott y Louise conversan fuera, en el auto. Él comienza a dar indicios de su próximo sentido de autocompasión. Le sugiere a Louise que hay límites en los deberes de la esposa y, previendo que el decrecimiento continúe su marcha, llegará un momento en que tal vez ella no quiera seguir a su lado. Tal simple táctica de probar los sentimientos de su esposa no da resultado, y Louise le dice que lo seguirá amando, que los médicos encontrarán la solución y que mientras él tuviera la alianza matrimonial, que ambos seguirían unidos. Acto seguido Scott intenta poner en marcha su automóvil, y el anillo se cae al piso.
Scott mide escaso metro de altura y una inyección ha logrado detener el decrecimiento. Está encerrado en su casa, convertido por propia voluntad en un fenómeno publicitario. Ahí aflora el tirano (o el niño malcriado), y en su pequeñez Scott ataca a Louise con el discurso autocompasivo. Está irritable, tiránico, en lo que suponemos es la crisis resultante de la ausencia del sexo con su mujer, en la falta reiterada de una vida normal. A la siguiente noche Scott sale a dar un paseo y el azar quiere que conozca a Clarice (April Kent), una joven liliputiense que trabaja en un espectáculo de feria. Ella le hace ver que la vida no es tan mala midiendo un metro. Es más, ella se ha dado cuenta de la crueldad del ser humano, de la indiferencia, de la discriminación contra el diferente. Scott ve una nueva luz en su vida, y vuelve sobre la escritura de un libro sobre su drama. Pasa un tiempo, en el que suponemos sin verlo, que Scott ha estado viéndose con la joven Clarice, y el proceso se pone en marcha de nuevo. Scott se achica más y huye del contacto de la joven artista (no nos cuesta mucho
especular que la huida está motivada por la imposibilidad de dominio físico sobre su nueva amante). Su nueva etapa es la vida en una casa de muñecas, donde Scott ya no tiene contención de ningún tipo y, a pesar que su esposa se consagra a su cuidado, se ha convertido en un ogro y la trata como si fuera una esclava. Es Butch, la mascota de la casa, quien cambia la situación y da un giro de 180º a la trama. Persigue a su antiguo amo como si se tratara de un ratón y la presa cae en el sótano, donde, a salvo del gato, debe ingeniarse para sobrevivir. Aquí da fin la primer media hora de película, un prodigio de ritmo y consición narrativa, donde nos queda bien en claro el proceso de Scott, pero no solo el físico (su decrecimiento de 1,80 a 10 cm), sino al afloramiento de abismos psicológicos que en su talla normal son meros atisbos.
especular que la huida está motivada por la imposibilidad de dominio físico sobre su nueva amante). Su nueva etapa es la vida en una casa de muñecas, donde Scott ya no tiene contención de ningún tipo y, a pesar que su esposa se consagra a su cuidado, se ha convertido en un ogro y la trata como si fuera una esclava. Es Butch, la mascota de la casa, quien cambia la situación y da un giro de 180º a la trama. Persigue a su antiguo amo como si se tratara de un ratón y la presa cae en el sótano, donde, a salvo del gato, debe ingeniarse para sobrevivir. Aquí da fin la primer media hora de película, un prodigio de ritmo y consición narrativa, donde nos queda bien en claro el proceso de Scott, pero no solo el físico (su decrecimiento de 1,80 a 10 cm), sino al afloramiento de abismos psicológicos que en su talla normal son meros atisbos.
La segunda mitad de la película es la más apasionante y es, en verdad, la más auténtica de la película. En la primera parte vimos como las preocupaciones de Scott eran, primeramente, el aspecto, luego la salud. Más tarde, el Scott del tamaño de un enano, que busca compañía, apunta al tema social. Cuando vive en la casa de muñecas comienza a tomar conciencia de su irracional trato hacia Louise y se arrepiente, aunque no puede evitar ladrarle cuando ella va a hacer las compras. En el sótano de la casa, el Scott diminuto debe utilizar los medios a su alcance para sobrevivir. Ya no se trata de la contención, del entorno social, de sexo, de machismo o de complejo de Edipo. Ahora es la supervivencia, y Scott utiliza una caja de fósforos como refugio, una gotera en el termotanque como suministro de agua y un alfiler como espada. Una araña es su único rival en ese lugar. Por supuesto Scott irá achicándose, y si pretende seguir con vida, debe eliminar a la bestia antes que sea tan pequeño que no pueda luchar. La película pasa entonces de ser un resumen de la afección de Scott a ser un documental sobre la aplicación del ingenio humano al nuevo y alucinado entorno. Pasamos largos minutos viendo como Scott trata de tomar el queso de una ratonera, o como trepa por unas cajas de madera.
La araña lo ataca, y Scott se salva ocultándose en el interior de la caja de fósforos. Es la hora de la lucha final, la última y única lucha de Scott por la supremacía en ese lugar. Y conduce todos sus esfuerzos en prepara un plan, munido de elementos que lo rodean. Con hilo, un alfiler y unas tijeras prepara una trampa, que falla olímpicamente. Y es con la fuerza bruta y la desesperación con la que Scott derrota al monstruo. Ya cerca del final de la película, Scott deja de tener hambre. Su vida ha cambiado tanto, y reflexiona, en un tamaño milimétrico, observando la inconmensurabilidad de la noche astrífera, que si él sigue con vida, debe querer decir que la Creación no tiene límites humanos. Es un momento de auténtica ciencia-ficción: un ser humano que observa el auténtico micromundo y abandona el antropocentrismo natural de la Humanidad (tal vez para incorporar un nuevo antropocentrismo del ser humano encogido). Scott, que ha desaparecido en lo infinitesimal, pero logra seguir vivo y razonando sobre su propio estado, sabe que seguirá su camino hacia un eventual mundo molecular. El final (con un marco musical acorde a la situación) es uno de los momentos más importantes del cine fantástico de la década, a la vez que de gran fuerza poética: es Scott levantando la vista al cielo y con su voz en off concluyendo que "para Dios no existen ceros." Vista en retrospectiva, es un interesante precedente (también desprovisto de pretenciones) del clímax metafísico de la nombrada 2001 de Kubrick. El ser humano se encuentra a sí mismo.
FRASE CELEBRE:
"Para Dios no existe el cero." "Yo sigo existiendo".0 comentarios:
LOS CRIMENES DEL MUSEO DE CERA
FICHA:
Director: André de Toth / Productor: Bryan Foy para Warner Bros. / Guión: Crane Wilbur, según un argumento de Charles Belden / Fotografía: Bert Glennon, Peverell Marley / Música: David Buttolph / Montaje: Rudi Fehr / Efectos especiales: Gordon Bau (maquillaje) / Intérpretes: Vincent Price (profesor Henry Jarrod), Frank Lovejoy (teniente Tom Brennan), Phyllis Kirk (Sue Allen), Carolyn Jones (Cathy Gray), Paul Picerny (Scott Andrews), Roy Roberts (Matthew Burke), Angela Clarke (Sra. Andrews), Paul Cavanagh (Sidney Wallace), Dabbs Greer (Sargento Shane), Charles Buchinsky [Charles Bronson] (Igor), Nedrick Young (Leon), Grace Lee Whitney... /Nacionalidad y año: Estados Unidos 1953 /
SINOPSIS:
El escultor de un museo de cera y su socio tienen una fuerte disputa porque el segundo pretende incendiar el museo y así cobrar el seguro. Años después, mientras el profesor Jarrod intenta reconstruir su museo, comienzan a tener lugar extrañas desapariciones.
CRITICA:
El film dirigido, por el director André de Toth en 1953, nos adentra en la genialidad y locura de un artista representado por el genial Vincent Price, el cual modela con cera distintos personajes de la historia, traicionado por su socio, pierde todo lo que más ama en un incendio....
Esta pelicula,tiene una clara referencia a un clásico del cine de terror, como puede ser: el fantasma de la opera.
Las escenas de persecución del artista, enfundado con ese sombrero negro y las ropas oscuras, por las calles impregnadas de densa niebla, nos traslada a las calles del Londres victoriano de Jack el destripador, aunque la historia se centre en el París del Moulin Rouge.
Atentos al personaje sordomudo de Igor, uno de los ayudantes del artista, un jovencísimo Charles Buchinsky y muchos dirán quien es este pues nada más y nada menos que Charles Bronson, en uno de sus primeros papeles cinematográficos.
Un clásico para coleccionar para los amantes del genero de Terror de la Serie B de los años cincuenta, una película que no pasa de moda como diría el personaje que interpreta Vincent Price sobre la figura de cera de Maria Antonieta "Para mí es un ser vivo"...
Esta pelicula,tiene una clara referencia a un clásico del cine de terror, como puede ser: el fantasma de la opera.
Las escenas de persecución del artista, enfundado con ese sombrero negro y las ropas oscuras, por las calles impregnadas de densa niebla, nos traslada a las calles del Londres victoriano de Jack el destripador, aunque la historia se centre en el París del Moulin Rouge.
Atentos al personaje sordomudo de Igor, uno de los ayudantes del artista, un jovencísimo Charles Buchinsky y muchos dirán quien es este pues nada más y nada menos que Charles Bronson, en uno de sus primeros papeles cinematográficos.
Un clásico para coleccionar para los amantes del genero de Terror de la Serie B de los años cincuenta, una película que no pasa de moda como diría el personaje que interpreta Vincent Price sobre la figura de cera de Maria Antonieta "Para mí es un ser vivo"...
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EL BUSCAVIDAS
FICHA:
Año: 1961
Director: Robert Rossen
Intérpretes: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott y Piper Laurie
Calificación Moral: No recomendada para menores de 18 añosDuración: 2h 15min
Director: Robert Rossen
Intérpretes: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott y Piper Laurie
Calificación Moral: No recomendada para menores de 18 añosDuración: 2h 15min
SINOPSIS:
Eddie "Relámpago" Felson (Paul Newman), es un orgulloso y diestro jugador de billar, quien tras recorrer los Estado Unidos ganando apuesta tras apuesta, se enfrentará con el billarista más famoso del país, "El Gordo de Minnesota" (Jackie Gleason), al mismo tiempo que inicia una relación amorosa con una muchacha problemática llamada Sarah Packard (Piper Laurie).
CRITICA:
Un gran drama psicológico, con una emotiva plasmación del fracaso, retratado con un melancólico tono cercano a la lírica en la existencia de dos inestables personajes enlazados a causa de un azaroso destino.
Esta lánguida atmósfera está perfectamente conseguida gracias al talento narrativo de Robert Rossen, la edición de Dede Allen y la gran labor en la fotografía de Eugen Schüfftan (encargado tambien de los efectos visuales en la gran obra maestra del cine mudo METROPOLIS), que conseguiría el premio Oscar por un título que despliega las maquinaciones inherentes a los procesos lúdicos en los que el dinero es el principal protagonista.
El triunfo y la frustración, las arduas maniobras del poder, el sentido existencial de la felicidad, o el alcoholismo liberador, son asuntos que perviven en un gran guión escrito por el propio Rossen con la colaboración de Sidney Carroll, ambos basándose en la novela "The Hustler" de Walter Tevis.
El triunfo y la frustración, las arduas maniobras del poder, el sentido existencial de la felicidad, o el alcoholismo liberador, son asuntos que perviven en un gran guión escrito por el propio Rossen con la colaboración de Sidney Carroll, ambos basándose en la novela "The Hustler" de Walter Tevis.
Las habilidades con los tacos que manifiestan Newman y Gleason fueron aprendidas del maestro del billar Willie Mosconi.
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EL HOMBRE CON RAYOS-X EN LOS OJOS
FICHA:
Año: 1963
Director: Oddvar Einarson
Sinopsis
Un oftalmólogo no cesa de investigar, descubriendo cada vez mayores posibilidades en el ojo humano. En su ininterrumpido estudio, halla una fórmula que, aplicada al ojo, permite percibir las ondas de luz que habitualmente la retina no capta. De esta forma puede leer un libro cerrado, diagnosticar una enfermedad sin auscultar al paciente y ver a través de las ropas con que se cubren las personas.
CRITICA:
Un clásico de la Factoría Corman, rodada en 1963, interpretada por Ray Millan dando vida al genial y atormentado Dr. James Xavier, que envenenado por su obsesiva investigación, "traspasa" los limites de la ciencia, llegando a caer en la locura...
¿Que pasaría si pudiéramos ver más allá de lo que vemos? y si utilizaramos el 90% restante de capacidad visual...mejor nodespués de ver esta película, como le dice en una de las escenas el colega del doctor James "Solo Dios lo ve todo", contestándole este, "Muy bien pero yo quiero acercarme a el"....
Divertida y memorable escena del guateque, cuando el Doctor puede ver a través de la ropa de la gente que esta bailando.
Contrasta con la escena final cruda y despiadada, viendo como el personaje entra en la reunión de feligreses, andando a trompicones como se supone que Jesucristo andaba hacia el cadalso arrastrando su cruz.
Impactante escena de los ojos de color negro, que me recuerdan a los ángeles de la película Legión, terroríficos y amenazantes.
"Si tus ojos te escandalizan ¡¡¡¡¡arrancatelos,arrancatelos !!!!!"
Un clásico de la Factoría Corman, rodada en 1963, interpretada por Ray Millan dando vida al genial y atormentado Dr. James Xavier, que envenenado por su obsesiva investigación, "traspasa" los limites de la ciencia, llegando a caer en la locura...
¿Que pasaría si pudiéramos ver más allá de lo que vemos? y si utilizaramos el 90% restante de capacidad visual...mejor nodespués de ver esta película, como le dice en una de las escenas el colega del doctor James "Solo Dios lo ve todo", contestándole este, "Muy bien pero yo quiero acercarme a el"....
Divertida y memorable escena del guateque, cuando el Doctor puede ver a través de la ropa de la gente que esta bailando.
Contrasta con la escena final cruda y despiadada, viendo como el personaje entra en la reunión de feligreses, andando a trompicones como se supone que Jesucristo andaba hacia el cadalso arrastrando su cruz.
Impactante escena de los ojos de color negro, que me recuerdan a los ángeles de la película Legión, terroríficos y amenazantes.
"Si tus ojos te escandalizan ¡¡¡¡¡arrancatelos,arrancatelos !!!!!"
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NOSFERATU
FICHA:
Título Original: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
País: Alemania
Año: 1922
Género: Terror
Guión: Henrik Galeen, Bram Stoker
Director: Friedrich Wilhelm Murnau
Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Producción: Enrico Dieckmann, Albin Grau
Duración: 94 minutos
Intérpretes: Max Schreck (Graf Orlok), Gustav von Wangenheim (Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter, seine Frau), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell.
País: Alemania
Año: 1922
Género: Terror
Guión: Henrik Galeen, Bram Stoker
Director: Friedrich Wilhelm Murnau
Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Producción: Enrico Dieckmann, Albin Grau
Duración: 94 minutos
Intérpretes: Max Schreck (Graf Orlok), Gustav von Wangenheim (Hutter), Greta Schröder (Ellen Hutter, seine Frau), Alexander Granach (Knock), Georg H. Schnell.
SINOPSIS:
Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.
CRITICA:
Nosferatu: Una Sinfonía de Horror es una película de Expresionismo Alemán de F. W. Murnau, protagonizada por Max Schreck como el vampiro Conde Orlok. La película, filmada en 1921 y lanzada en 1922, fue en esencia una adaptación no autorizada de la obra Drácula de Bram Stoker, con nombres y otros detalles cambiados debido a que el estudio no obtuvo los derechos de la novela (por ejemplo, vampiro se convirtió en “Nosferatu”, y Conde Drácula se convirtió en Conde Orlok).
La historia de Nosferatu es similar a la de Drácula y conserva los personajes esenciales –Jonathan y Mina Harper, el Conde, etc.- pero omite muchos de los personajes secundarios, como Lucy o Van Helsing. Todos los nombres fueron cambiados también (aunque en algunos recientes lanzamientos de la película por compañías beneficiándose del dominio público de la película original, las pantallas con los diálogos escritos fueron cambiadas para usar los nombres de la versión Drácula).
En contraste con Drácula, Orlok no crea otros vampiros, solo mata a sus victimas, provocando que la gente del pueblo culpe a la plaga que devasta la ciudad. Además, Orlok debe dormir durante el día, el solo podría matarlo. El final también es sustancialmente diferente del de Drácula. El Conde es finalmente destruido al amanecer cuando el personaje de Mina se sacrifica a el.
Partes de la película que representan a Transilvania fueron de hecho filmadas en Eslovaquia. El Castillo de Nosferatu, por ejemplo, es el Castillo Orava en el norte de Eslovaquia, y otros escenarios están en las Altas Tatras y en el Río Váh cerca del Castillo Strečno.
Esta fue la primera y ultima película de Prana-Film –la compañía se declaró en bancarrota después que el heredero de Bram Stoker, actuando por en nombre de su viuda, Florence Stoker, demandó a la compañía por la violación de los derechos de autor, ganando dicha demanda. La corte ordenó que todas las copias existentes de Nosferatu fueran destruidas, pero copias de la película ya habían sido distribuidas alrededor del mundo. Estas copias fueron copiadas a lo largo de los años, ayudando a Nosferatu a ganar su reputación como una de las grandes versiones cinematográficas de la leyenda del vampiro.
Con la influencia del productor y diseñador de producción Albin Grau, la película estableció una de las dos principales representaciones de películas de vampiros. El “Tipo Nosferatu” es un muerto viviente con características de roedor (especialmente largas las uñas y los dientes incisivos), asociado con ratas y la plaga, y sin ser ni encantador ni erótico, sino mas bien totalmente repugnante. Las victimas usualmente morían y no eran transformadas en vampiros. El arquetipo más común es el “Tipo Drácula” (establecido por la versión de Drácula de Bela Lugosi y perpetuado por Christopher Lee), un encantador aristócrata adepto a seducir y cuyas mordidas transforman a sus victimas en nuevos vampiros.
En el año 1979 el director Werner Herzog dirigió una nueva versión llamada Nosferatu: Phantom der Nacht, protagonizada por Klaus Kinski. En esta versión el Conde Orlok es conocido como Conde Drácula.
En el año 2000 una película llamada La Sombra del Vampiro contó la historia secreta de cómo se hizo Nosferatu, imaginando que el actor Max Schreck (Willem Dafoe) era realmente un vampiro genuino, y que el director F. W. Murnau (John Malkovich) complotó para contratar a la criatura para propósitos de mayor realismo.
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ZORBA EL GRIEGO
FICHA:
Título Original: ZORBA THE GREEK
Año: 1964
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Mihalis Kakogiannis
Intérpretes: Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova, George Foundas
Guión: Mihalis Kakogiannis
Música: Mikis Theodorakis
Fotografía: Walter Lassally
Productora: Coproducción USA-Grecia; 20Th Century Fox / Rockley
Duración: 146 minutos
SINOPSIS:
Un joven escritor inglés viaja a Grecia donde conoce a un griego de carácter vitalista y con costumbres primitivas, del que se deja influenciar y con el que recorre diversos lugares.
CRITICA:
Magnifica película interpretada por el genial Anthony Quinn, en la cual nos adentra en una historia de amistad, rencores, venganza, y costumbres ancestrales, culminadas con el sentimiento de ser LIBRE...un rudo Quinn pero de gran nobleza, que con su simpleza y transparencia, le gana el corazón a un Alan Bates, tímido y reprimido.
Una bella historia, donde la música y la imagen se conjugan dando fruto a un bello escenario donde la magia del amor a la vida surge como un volcán....magnifico final con el célebre Sirtaki interpretado por Mikis Theodorakis.
FRASES CELEBRES:
"¡Qué catástrofe más esplendorosa!" (Zorba a Basil)
